LA CALUMNIA DE APELES, Sandro Botticelli

 

    Este conocido y precioso cuadro de Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, al que todos conocemos como Sandro Botticelli, realizado en 1494/5 en pintura al temple sobre tabla de 62x91 cm., está en la galería de los Uffizi en Florencia.

    Como ya se aprecia en la primera mirada, su intención tiene un significado moral y alegórico además de estético, aunque sus figuras sean, como en todas sus pinturas, de una gran belleza y elegancia.

Este tema ha tenido un cierto éxito en la época, por ejemplo:

 

     Grabado de Girolamo Mocetto de principios del siglo XVI sobre el mismo tema, donde se aprecian las enormes orejas de burro del rey Midas.

                        AMBIENTACION HISTORICA

         Pocos años antes de realizarse este cuadro tuvo lugar la conquista de Constantinopla en 1453 por el sultán Mehmet II, con la consiguiente desaparición del Imperio Romano de Oriente. Se produjo una diáspora de sabios y filósofos bizantinos que al llegar en nuestro caso a la Florencia de los Medici, donde les dieron protección y mecenazgo, ayudaron y potenciaron el cambio de pensamiento y arte medieval al Renacimiento, estilo en que fue pintado nuestro cuadro.

    Para ambientar socialmente la época, en  1492 había fallecido Lorenzo " El Magnifico", siendo sucedido como gobernante de facto de Florencia por su joven hijo Pedro II de Medici, que, seguramente, no estaba a la altura política de su padre.

             

     

    En este cuadro titulado " Adoración de los Magos", también de Botticelli, donde está representada la familia Medici, se cree que el altivo personaje a la izquierda con jubón rojo es Lorenzo "El Magnifico", mientras que el Mago arrodillado enfrente del Niño, es su abuelo Cosme "El Viejo".

                                                       

    En el mismo cuadro, encontramos el autorretrato de Botticelli cuando tenia unos 30 años. Cuadro pintado unos 20 años antes que " La calumnia de Apeles"

    En esa época con la invasión de la península itálica por el rey francés Carlos VIII camino de Napoles y la contundente predicación en Florencia del fraile dominico Savonarola, personaje que hasta Lutero elogió posteriormente, criticando ferozmente a la iglesia y a los gobernantes de Florencia, consiguió con el apoyo del  pueblo la expulsión de los Medici de Florencia..... pero volverían unos años después y hasta un hermano de Pedro II fue Papa, León X, que tuvo que lidiar con Lutero, al que excomulgó.

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    Estatua del siglo XIX de Savonarola en Ferrara

    Por cierto, que en el 98, el Papa valenciano Alejandro VI consiguió que se quemase (después de ajusticiarlo) al declarado hereje Savonarola. Claro que Carlos VIII acababa de fallecer y los franceses ya no estaban por ahí, que todo influye....

                         

    Plaza de la Signoria en Florencia, con la hoguera

    En esos años de ambiente convulso, teocrático y autoritario de Savonarola en Florencia, éste creó la Hoguera de las Vanidades, donde se quemaban libros eróticos, prendas de mujer "subidas de tono", cuadros (Botticelli fue un seguidor de Savonarola, a pesar de sus intensos contacto con la familia Medici) y cualquier cosa que se pudiese considerar indecorosa o contra las ideas religiosas  extremistas del líder Savonarola.

                    Vamos con el cuadro:

Enmarcado en una construcción palaciega clásica, con columnas y bóvedas que siguen la perspectiva lineal de un único punto de fuga situado en medio de la base de los pies de la escultura del rey David en la columna central, se sitúa una curiosa escena con diez personajes, todos descalzos menos la figura sentada en un trono aunque prácticamente no se aprecia.

    Se ve que todas las continuaciones de los elementos geométricos como bancos, columnas.... confluyen en un punto, el punto de fuga.

    La perspectiva Aérea, definida por Leonardo da Vinci, llegará un poco mas adelante....

    Tanto las columnas como los frisos así como los cajetones de la bóveda, están decorados o bien con relieves donde figuran personajes o temas de la cultura clásica griega o personajes bíblicos.

    

    Detalle del friso, en cuya diagonal parece representado el tema clásico de la lucha entre Lapitas y centauros. Escultura del rey David a la derecha

    Para su interpretación, empezamos por los personajes de derecha a izquierda mirando al cuadro, empezando por las tres figuras juntas de la derecha en la que destaca  por su rareza la figura del varón central que ocupa el trono, con grandes orejas de burro.

                         

    Este rey frigio, MIDAS, del que la leyenda dice que el dios Baco para agradecerle un favor le ofreció un deseo. El deseo que Midas le pidió es que se convirtiese en oro todo lo que tocase, y así fue....con lo que Midas no podía tocar la comida, ya que se convertía en oro y era "un poco indigesta", o tocar a sus hijos, o.....o a cualquier persona o cosa. En fin que hay que tener cuidado con lo que se pide, que lo puedes conseguir.....

Este rey Midas es el importante personaje que incluso aparece en el Juicio Final pintado por Miguel Ángel en la capilla Sixtina. Pero veamos otra leyenda para entender las grandes orejas de burro.

                     

    Detalle del Juicio Final de Miguel Ángel, donde representó al rey Midas en el infierno con sus grandes orejas de burro, con la cara de un cardenal que había criticado los desnudos que Miguel Ángel había pintado en la bóveda de la capilla Sixtina. El cardenal Cesena tenia rodeado el cuerpo por una serpiente, mientras otra le muerde el sexo...., vaya "amigos" que tenía el cardenal, en el infierno, orejas de burro por Midas y rodeado y mordido por la serpiente......

La leyenda dice que el dios griego Apolo estaba compitiendo con el sátiro Marsias que lo había desafiado a un certamen musical con, claro, el rey Midas en el jurado, el cual indicó que el ganador era Marsias..... Dicho y hecho, el enfadado dios le concedió a Midas como premio por su mal juicio..... unas enormes orejas de burro, que es lo que se representa en el cuadro, un mal juez.

Hay que recordar que los dioses clásicos tenían muy mal perder, recordar, por ejemplo, el caso de Aracne y Atenea en "Las Hilanderas de Velazquez"

                                         

    En el cuadro Midas mira hacia abajo, haciendo caso no de lo que ve o debería ver sino de lo que le dicen con intensidad abriéndole las orejas para introducir mejor el mensaje la SOSPECHA y la IGNORANCIA, las dos figuras a ambos lados del rey susurrándole al oído "maldades" sobre el juzgado.

                           

    Los cinco personajes en el centro del cuadro

                              

Como la Insidia y el Fraude hacen más atractiva a la Calumnia.

    Decidido, con un raído habito marrón, la ENVIDIA avanza hacia el rey extendiendo acusadoramente su brazo izquierdo, mientras que con el derecho sujeta el brazo de la incendiaria CALUMNIA, que porta una antorcha, con las estilizadas y atractivas figuras de la INSIDIA y el FRAUDE que hacen mas adornada a la Envidia que arrastra cogida del pelo a la figura que da el nombre al cuadro, APELES.

    Apeles era un personaje del siglo IV a.C. un extraordinario pintor al que Alejandro Magno visitaba a menudo en su estudio de pintor. En esa época, un zapatero  criticó cómo Apeles pintaba unos zapatos, y Apeles le hizo caso y rehízo los zapatos de acuerdo con las instrucciones del zapatero.

    Pero este zapatero siguió haciendo comentarios de cómo estaban pintadas las piernas, lo ropa.....de las figuras del cuadro, y ahí Apeles le dijo "zapatero a tus zapatos", que tú sabes de zapatos, pero de otras cosas mejor te callas. Parece que "textualmente" le dijo "Un zapatero no debe juzgar más arriba de los zapatos....". lo dicho, zapatero a tus zapatos....(de aquí el popular dicho) 

Bien, parece que un pintor rival de Apeles le denunció por una falta grave con mentiras e infamias, siendo Apeles condenado injustamente... Quizás es el tema representado en el cuadro.

    De Apeles no se ha conservado ninguna pintura, pero en el siglo II d.C. el escritor Luciano de Samosata la describió, y recogido en el siglo XV el texto por León Battista Alberti, nuestro Botticelli lo conoció y pintó este cuadro mostrando su fascinación por la cultura griega clásica al igual que con otros temas clásicos como  "La Primavera", "Venus y Marte", "el nacimiento de Venus".....

Ya hemos visto quien era Apeles, el que con su historia dio origen a este fantástico cuadro. 

Nos falta ver a las dos últimas figuras a la izquierda del cuadro, la primera de ellas con hábito negro, como debe ser representada, es la PENITENCIA, una figura con la cara casi tapada por el escorzo  con que Botticelli la representa, que mira a la última figura, la VERDAD, desnuda para que se vea que no tiene nada que ocultar, Verdad  a la que, excepto la Penitencia, (la Penitencia sabrá por qué, cosas del pasado seguramente), nadie mira o hace caso de ella. Mucho más importante era en esa época (sólo entonces?)  la maledicencia, la envidia.....que la verdad, o eso parece desprenderse del cuadro. 

                                    

         

                               

    Simonetta Vespucci en "El nacimiento de Venus" de Botticelli

    La Verdad, esa bella y estilizada figura en contraposto, de largo pelo suelto y con el brazo derecho alzado hacia arriba como si fuese el cielo el que realmente juzgase el asunto o reclamando su ayuda para el esclarecimiento de la verdad o....., es un tipo de figura que Botticelli ya había utilizado unos diez años antes en "El nacimiento de Venus" con unas grandes similitudes ....aunque en el Nacimiento Botticelli había pintado el bellisimo rostro de su musa, Simonetta Vespucci.

                        

Gran parecido en la posición de contraposto de ambos personajes, La Verdad en nuestro cuadro de 1495 y Venus en el "Nacimiento de Venus", acabada en 1485, ambas pinturas de Botticelli

Mitología Griega 4, Botticelli y Poussin

Mitología Griega 4, Titanomaquia

     En el post nº3 de esta serie, vimos el nacimiento de los dioses Olímpicos y a Zeus criado en Creta por, entre otros, la cabra Amaltea. También como los  hermanos de Zeus permanecían en el interior de Cronos, su padre, que los había devorado al nacer.

 

                Poussin siglo XVII, Zeus alimentado por la cabra Amaltea y por las ninfas

     En estos dos lienzos, ambos del pintor clasicista francés Nicolás Poussin, se narra el cuidado a Zeus (según Robert Graves) por parte de Adrastea, una ninfa del Fresno y su hermana Io, hijas de Meliseo, rey de Creta.

     En ambas pinturas, vemos como Adrastea e Io alimentan a Zeus niño ayudadas por un pastor o Curete, que en el primer cuadro sujeta a la cabra Amaltea mientras Zeus mama la leche de sus ubres con una ninfa del agua al fondo, y en el segundo una ninfa recoge miel de las colmenas, mientras las abejas  "trabajan" a su alrededor en tanto que el pastor ordeña a Amaltea y Adrastea alimenta a Zeus.

             Seguimos con Hesíodo:

     Creció rápidamente Zeus y engañado por Gea, Cronos expulsó al resto de sus hijos “Primero vomitó la piedra, última cosa que tragó…”. Luego Cronos vomitó a sus otros cinco hijos.

     Zeus liberó a los tres Cíclopes, sus tíos, “a los que insensatamente encadenó su padre (Urano)” y en agradecimiento, estos le regalaron  “el llameante rayo, el trueno y el relámpago”. Zeus gobernó con ellos a “mortales e inmortales”.

     Vamos a ver como Hesíodo narra la brutal lucha entre los Titanes- otros  hijos de Gea y Urano- y los dioses Olímpicos, llamada Titanomaquia:

     Veamos que hacían los dioses:

     “Ya hacía tiempo que luchaban soportando dolorosas fatigas enfrentados unos contra otros a través de violentos combates, los dioses Titanes y los que nacieron de Cronos (los Olímpicos)….”

     Los tres Hecatónquiros, Coto, Briareo y Giges, monstruos de cincuenta cabezas y cien brazos, también hijos de Gea y Urano, a los que su padre “les ató con fuerte cadena receloso de su formidable vigor…”, fueron liberados y conducidos a la luz según indicaciones de Gea.

     Llevaban los dioses combatiendo en fatigosa lucha diez años y no se vislumbraba el final, permaneciendo el resultado indeciso, cuando Zeus “les ofreció a los poderosos Hecatónquiros el néctar y la deliciosa ambrosía, los alimentos de los dioses, a estos les creció el pecho en ardorosa pasión” y le dijeron a Zeus:

     “…. Con corazón firme y resuelta decisión  defenderemos vuestro poder en terrible batalla luchando con los Titanes a través de violentos combates”.

     Y aquel mismo día “provocaron una lucha terrible, todos, hembras y varones, Titanes y los nacidos de Cronos (los dioses Olímpicos), estos apoyados por los tres Hecatónquiros  de los que “cien brazos salían agitadamente de sus hombros  y a cada uno cincuenta cabezas le nacían de los hombros sobre robustos miembros”.

     “Los Titanes, por otra parte afirmaron sus filas resueltamente. Unos y otros exhibían el poder de sus brazos y de su fuerza… Y la tierra retumbó con gran estruendo….”.

     Bueno, Zeus también contribuía “avanzando sin detenerse, los rayos junto con el trueno y el relámpago, volaban desde su poderosa mano…”.

                                  Gigantomaquia de Jordaens, siglo XVII

     Al final, claro, ganaron los Olímpicos, ya que los Hecatónquiros lanzaban sin respiro trescientas rocas, cubriendo con ellas a los Titanes, a los que enviaron bajo la tierra después de atarlos entre inexorables cadenas tan hondos bajo la tierra como está el cielo de la tierra, es decir a la distancia de un yunque cayendo nueve días, al décimo llegarían al Tártaro.

     Posteriormente hubo otra gran guerra llamada Gigantomaquia, en la que Heracles (el Hércules romano), ayudando a los Olímpicos tuvo una participación decisiva, ya que un mortal tenía que rematar a los gigantes, y Heracles, fue el elegido para esa misión.

                     Zeus y Alcmena. Giulio Romano, (alumno de Rafael). Siglo XVI,

     Heracles era otro de los hijos de Zeus con madre humana, en este caso de Alcmena, mujer de Anfitrión, rey de Tirinto (ciudad en el este del Peloponeso) , a la que Zeus engañó tomando la  apariencia de su esposo para yacer con ella, naciendo Heracles de esa relación.

     Hesíodo no nos narra la Gigantomaquia, aunque sí otra de menor calado entre Zeus y Tifón, la Tifonomaquia. Como es natural, en ambas venció Zeus, consolidándose como la gran autoridad entre humanos y dioses.

     Una vez consolidada la situación entre los dioses, veremos el nacimiento de algunos de los importantísimos y conocidos hijos del insaciable Zeus, en general fuera del matrimonio con Hera, su hermana y tradicional mujer.

     Antes que con su hermana Hera, Zeus se casó con la Titánide Metis paradigma de la astucia y diosa de la sabiduría.

     Metis, que tenía el poder de cambiar de forma, una vez embarazada fue tragada por Zeus para evitar que su primer hijo varón nacido tras su primera hija, según la profecía, le destronara.

     Pero a su debido tiempo, Zeus empezó a tener inmensos dolores de cabeza hasta que su hermano Hefesto se la abrió y salió…. Atenea de su cabeza  completamente armada. Hay métodos originales de nacer!!!, aunque con Dionisio también tiene tela….., ya lo veremos.

                          Estatua de Atenea en la avenida Blasco Ibáñez en Valencia.

     Hesíodo lo narra así: “ Y él, de su cabeza dio a luz a Atenea de ojos glaucos, terrible, belicosa, conductora de ejércitos, invencible y augusta, a la que le encantan los tumultos, guerras y batallas”.

     Tradicionalmente, a Atenea se le atribuyen varias características, como la de la inteligencia – por su madre Metis-, la virginidad –Atenea Partenos-, la guerrera- Atenea Promacos-, la victoriosa- Atenea Niké-, como diosa de la artesanía – ya hablaremos de Velázquez y su cuadro de Aracne, etc.

     Su nombre más usual, Palas Atenea, viene, según el historiador griego del siglo II a.c. Apolodoro, de que Atenea mató accidentalmente a su compañera de juegos Palas y como sentimiento, añadió su nombre delante del suyo.

     Los eruditos sugieren que de esta forma a Zeus se le incorporó la sabiduría y la astucia de Metis, como capacidad de discernir y prevenir comportamientos futuros, características que le harán falta a corto plazo.

     Sobre Atenea, vamos a comentar el cuadro de Botticelli de Palas y el Centauro, un lienzo encontrado en el florentino palacio Pitti a finales del siglo XIX, aunque Vasari ya lo nombró en el siglo XVI.

     Este cuadro, temple sobre lienzo, pintado en la década de los ochenta en el siglo XV, en la misma época en que pintó también el nacimiento de Venus y la Primavera, marca el final de la época de influencia Medici en su obra.

      En 1492 murió Lorenzo el Magnífico y el monje dominico Savonarola revolucionó la vida florentina expulsando a los Medici del poder y creando un ambiente de gran austeridad moral, por ejemplo con sus hogueras de las vanidades, del que Botticelli fue seguidor.

     En el cuadro hay dos figuras centrales, Palas Atenea y un centauro, con la usual idealización de rasgos y belleza con que Botticelli pinta a sus personajes.

     Hay dos interpretaciones usuales de este cuadro, una, la más extendida es que dado que Atenea completamente relajada sujeta  por el pelo al centauro, símbolo de la lujuria, y este aparece resignado, es el triunfo de la castidad sobre la lujuria. Hay que recordar la virginidad de Atenea…..

     Igualmente, al ser considerado el centauro como la manifestación mas baja del "genero humano", el cuadro es el triunfo de la sabiduría, representada por Atenea, sobre la ignorancia, representada por el centauro.

    Botticelli se toma la licencia de pintar a Atenea con una alabarda medieval en lugar de la típica lanza de la antigua Grecia, ambientando ese atributo de Atenea en la época en que fue pintado el cuadro. 

     Para el otro significado, dado que era  un encargo de los Medici en la década de los 80, hay que tener presente que la Florencia de Lorenzo el Magnífico se encontraba inmersa en la posibilidad de una guerra contra el papa Sixto IV, el de la Capilla Sixtina, aliado con Ferrante de Sicilia, por cierto Ferrante era hijo bastardo de nuestro Alfonso V de Aragón.

     Lorenzo se fue a Nápoles a negociar con Ferrante y pudo evitar la guerra, por lo que, quizás, el significado del cuadro es que la figura femenina, con el emblema de los Médici en todo el vestido y recubierta de ramas de olivo, símbolo de la paz, triunfa sobre el Centauro, también símbolo de la barbarie, armado con arco y flechas.

     Como curiosidad, los Médici tenían un emblema con tres círculos unidos con diamantes engarzados que es el dibujo con los tres círculos en forma de triángulo representado en el traje de Palas.

                      Reverso de una medalla de la familia Médici

                                      Modernos círculos de Borromeo

      Ese particular sistema de enlazar los círculos, es llamado círculos de Borromeo al estar en el escudo de la familia Borromeo en Milán en el siglo XV. Es la unión de los tres círculos de tal manera que si se soltase uno cualquiera de ellos los otros dos se separarían también. Ha sido muy estudiado por los matemáticos y físicos e incluso en el psicoanálisis en tiempos recientes, en fin, cosas curiosas que pasan……

                 Seguiremos hablando de Atenea ( y de Velazquez) en el próximo post…..

Mitología Griega 2. Botticelli y Tiepolo

     Habíamos dejado a Afrodita, en el anterior post, llegando a Chipre, momento que recoge el genial Botticelli en su nacimiento de Venus     

     Este cuadro de Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi conocido como Botticelli, recoge una escena mitológica cuya figura central es la diosa del amor, Afrodita (la Venus romana). 

        Cuadro con marco en la galería Uffizi en Florencia, que allí si que dejan hacer fotos 

     Como ya narramos en el anterior post, Afrodita nació en el Piélago (en el mar) de una blanca espuma resultado de la castración de Urano por su hijo Cronos.

     Iconográficamente, la bellísima Afrodita está representada como un tipo de Venus púdica, del estilo de la Venus de Cnido.

    En el cuadro, Afrodita está en una posición prácticamente igual a la conocida estatua de la Venus de Medici realizada en mármol, incluso parece que Botticelli quiere reflejar el tono blanquecino del mármol en su cuerpo.

 Venus de Médici. Copia de la original, destruida durante el periodo de dominación romana de Grecia.

     Botticelli tenía un amor platónico por su musa particular Simonetta Cattaneo, Simonetta Vespucci por su matrimonio con Marco Vespucci, a la que retrató además de en este cuadro, en varios más, siempre hermosísima ella.

     Afrodita está representada bajando de la venera (viene de Venus?) o concha en un “contraposto” dinámico. Igualmente, todas las figuras del cuadro transmiten una sensación de serenidad en el movimiento.

     Los especialistas en el tema, indican que Afrodita está a punto de “desembarcar” en la isla de Chipre a donde fue después de la isla de Citera, aunque algún otro autor prefiere el “desembarco” en esta última isla.

     En la Florencia del siglo XV, bajo el auspicio de la familia Médici, se desarrolló un intento de compatibilizar las teorías Neoplatónicas del filósofo Marsilio Ficino con el Cristianismo.

     El erudito, filólogo y poeta  Ángelo “Poliziano” desarrolló su poesía en ese ambiente de mirar al pasado clásico, e influyó en la obra de muchos artistas, Botticelli entre ellos.

     La iconografía de este cuadro, está basado en un poema, inacabado, de Poliziano, “Stanze per la giostra”, traducido es algo así como "Estrofas para un torneo"

     El poema dice:” …..Una doncella de rostro no humano que el viento lascivo empuja a la costa encima de una almeja…”

     Evidentemente, “rostro no humano” por lo bellísimo y divino de la cara de la diosa.

     En este contexto  Neoplatónico, el simbolismo del cuadro seria la representación del nacimiento del amor y de la belleza como motor de la vida.

    A la izquierda del cuadro aparecen dos figuras aladas, que representan al dios del viento del oeste, Céfiro, que sujeta  a  la ninfa de las flores Cloris, como en un rapto, como “viento lascivo”, siguiendo el poema de Poliziano.

     Céfiro, como viento del oeste, empieza a soplar cuando su hermano Bóreas, el dios del frío viento del norte, desaparece, marcando el inicio de la época de bonanza, la primavera.

     El poema de Poliziano, continua ”…..fuiste acogida en el regazo de las tres ninfas y envuelta en un vestido estrellado.”

     Aquí, Botticelli se toma una licencia y en lugar de tres ninfas coloca a una, la Hora de la primavera, reconocible por las flores que adornan su vestido.  El manto con que la Hora va a cubrir a la diosa, está también adornado con multitud de flores.

     Además podemos decir que Botticelli estudió cuidadosamente la posición de las figuras y elementos en el cuadro, por ejemplo la línea del horizonte cumple la regla de los tercios, situándolo aproximadamente a 1/3 del borde superior.

      Igualmente, las dimensiones del cuadro, 278,5x172,5cm., cumplen la relación del rectángulo Áureo ( 278,5/172,5= 1,61….), demostrando, además de en otros detalles, los conocimientos del maestro Botticelli en composición.

     Para una interpretación iconológica de este cuadro, ver los trabajos de Erwin Panofsky sobre el tema.

     Uno de los mitos relacionado con Céfiro, es el del nacimiento de la flor “jacinto”, veámoslo según Ovidio.

      El dios Apolo estaba enamorado del bello joven espartano Jacinto, al que también pretendía el dios del viento Céfiro.

Tiepolo. La muerte de Jacinto, Museo Thyssen

     Jacinto se decantó por Apolo y un día en que ambos estaban practicando el lanzamiento de disco, Apolo lo lanzó a los aires celestes y tras pasar las nubes cayó con fuerza en tierra firme. El imprudente Jacinto fue rápidamente a recogerlo pero este rebotó en la dura tierra que lo lanzó contra su rostro.

     Dice Ovidio: “…el dios (Apolo) palidece y trata de reanimarlo pero el aliento vital de Jacinto huye de él dejando destrozado al dios…” que dice: “veo tu herida, mi culpa….Pero cuál es mi culpa?  a no ser que a jugar o a amar se le pueda llamar culpa…. Ya que debemos seguir la ley del destino siempre estarás conmigo y quedaras en el recuerdo de mi boca”.

            En este excelente cuadro del veneciano Giovanni Battista Tiepolo, el pintor se toma la licencia de sustituir el deporte del lanzamiento de disco por un juego de moda entre la nobleza del siglo XVI, “la pallacorda” que utilizaba raquetas de cuerda y unas pelotas similares a las de tenis.

Raqueta y pelotas de la Pallacorda, con el jacinto un poco mustio todavía (quizás muriendo como Jacinto)

     Jacinto esta expirando en el suelo mirando al desesperado Apolo, mientras un grupo de personajes los contemplan incluyendo al dios Pan que gira la cabeza para no perderse detalle, mientras un amorcillo está detrás de Jacinto.

     Desde luego a Apolo le gustaba la belleza, siendo bastante usual las relaciones homosexuales en aquellos tiempos. Seguramente este mito, como varios otros, refleja el comportamiento humano de la época reflejado en los dioses.

     Bueno, resulta que “…la sangre derramada en la tierra que había marcado la hierba, deja de ser sangre y más brillante que la púrpura de Tiro nace una flor tomando la forma de los lirios, si no fuera porque estos tendrían un color purpura y aquellos los tienen de plata”. Nació el primer Jacinto.

                                              Flor de jacinto, con ese color púrpura de Tiro, que puede variar entre el morado y el rojo púrpura

            El mito relacionado con el dios del viento Céfiro, narra la misma historia y personajes, pero es este, despechado al haber preferido Jacinto a Apolo, el que envía una fuerte ráfaga de viento que desvía el disco haciéndolo chocar contra Jacinto.

     En Esparta se estableció una festividad anual para conmemorar la muerte de Jacinto, las Jacintias, que eran tan importantes que hasta las guerras se suspendían mientras durasen.

     Como cada año, al celebrarse las fiestas, volvían a florecer los jacintos, este bonito mito simboliza, también, la renovación de la naturaleza.

     Una vez comentados estos cuadros, seguimos con Hesíodo y los nacimientos. Cito únicamente los de los personajes más conocidos antes de pasar al nacimiento de los dioses Olímpicos, que será en el próximo post.

     La Noche parió a las tres Hespérides (las que cuidan, al otro lado del ilustre océano, las bellas manzanas de oro) y a las tres Parcas, que manejan el hilo de la vida, Cloto, que lo hila en el huso, Láquesis lo mide y Atropo, la más terrible, que lo corta con las tijeras

Goya. Las Parcas. Decoración de su casa "la Quinta del Sordo". Observar las tijeras para cortar el hilo de la vida que tiene Atropo en la mano ( a la derecha del dibujo)

     También alumbró a Némesis (la venganza), azote para los hombres mortales y a la astuta Eris (la causante primera de la guerra de Troya).

     El Ponto, engendró a Nereo, que a su vez engendró a las cincuenta Nereidas junto a Doris la de hermosos cabellos, hija del Océano. Nereidas conocidas son Tetis, la madre de Aquiles y Anfítrite, la esposa de Poseidón.

     También nacieron las tres Gorgonas, que viven al otro lado del ilustre océano, en el confín del mundo hacia la noche, donde las Hespérides de aguda voz. Una de ellas, la Medusa, era mortal, y cuando Perseo le cortó la cabeza, de su sangre nacieron Pegaso, el caballo alado de Zeus y el enorme Crisaor, el guerrero de la espada de oro.

Perseo exhibiendo la cabeza de la Medusa. Piazza della Signoria en Florencia.

En la banda  se lee la firma del autor de la estatua, Benvenuto Cellini

     De Tifón y una descendiente de Gorgona (Equidna, mitad ninfa mitad serpiente), nació Cerbero, el can de cincuenta cabezas que guardaba las puertas del Hades (el inframundo)…

      Y de uniones entre ellos, nacieron el viento Céfiro, Quimera, león por delante, dragón por detrás y cabra en medio, la Esfinge, el León de Nemea, las tres mil Oceánides, los rios Nilo, Granico, este cerca de Troya y en sus cercanías Alejandro Magno venció por primera vez a los persas de Darío III…..